Historia del Arte Breve resumen

Desde los albores de la humanidad, la expresión artística ha acompañado al hombre a lo largo de su historia y evolución. No ha existido ni una sola sociedad en la historia, por muy escasa que hay sido su existencia material, que no hay producido arte. Desde las primeras manifestaciones dejadas en las cuevas de Altamira, pasando por el realismo, impresionismo, arte abstracto hasta el video arte y arte conceptual, toda manifestación visual que ha realizado el hombre responde a un contexto determinado que ha influido en la forma de ver el mundo y en la concepción de un lenguaje propio.

A menudo se especula que el arte en las sociedades primitivas tenía una función mágica, se cree que era una forma de expresar creencias y rituales. Cuando emergieron los estados con jerarquías de poder bien definidas-en las primeras civilizaciones mesopotamicas y egipcias-, el arte paso a estar al servicio de la riqueza y el poder, embelleciendo palacios y glorificando el estatus y las conquistas de los gobernantes.

Un egipcio de la Antiguedad fabricando papiro en un mural en relieve de la tumba de Ti, en Saqqara (2450-2325 a. C.). La figura está sentada y extiende las tiras de papiro, preparándolas para ser prensadas y fusionadas para fabricar una hoja de papiro.

Se suele afirmar que el individualismo moderno aparece entre los pueblos comerciantes del mediterráneo, como por ejemplo los griegos, los fenicios, los etruscos o los romanos. Artistas como Praxíteles fueron célebres por sus logros, se embellecían los edificios públicos y cívicos, y en ellos se glorificaba a los gobernantes, se realizaron además pinturas para decorar residencias en Pompeya y Herculano y se desarrollaron diferentes géneros como paisajes, retratos, bodegones, pinturas de animales y temas mitológicos.

Historia de concurso de pintura entre Zeuxis y Parrasio

Fresco en el que puede verse a una mujer pintando una estatua que, presuntamente, corresponde al dios Príamo. El fresco se encuentra en la Casa del Chirugo, en Pompeya y fue pintado entre el año 50 y el 79 a.C.

En el siglo IV d.C. el arte Bizantino fue evolucionando a partir del arte romano transformado por la religión cristiana. El arte estaba al servicio de la iglesia y de la fe religiosa privada. Tomando la forma de iconos, las imágenes adquirieron un valor espiritual interno: lo invisible se hacía visible

La virgen y el niño en el trono (h. 1280-1285)

Giovanni Cimabue. Tempera sobre tabla.

En los siglos XV y XVI, una de las muchas direcciones que tomó la pintura en todo el mundo fue el arte occidental, que más tarde se conocería como Renacimiento. Los cambios en la sociedad, el surgimiento de la imprenta y el humanismo hicieron emerger una suerte de teoría del genio original del artista donde determinados artistas como Leonardo Da Vinci, Miguel Angel y Rafael Sanzio alcanzaron el estatus de verdaderas estrellas contratados por mecenas que competían por encargar obras a los mejores artistas.

Fresco Techo de la Capilla Sixtina 1508-1512

Miguel Angel

La teatralidad del Barroco fue consecuencia de la Contrarreforma católica, para llevar a cabo esta contrarreforma se diseñaron durante el Concilio de Trento lo que dio pie a la propagación de ideales religiosos a través de imágenes y a una mayor meticulosidad a la hora de representar relatos e imágenes bíblicos que despertarían un nuevo fervor religioso.

Éxtasis de Santa Teresa (1645-1652)

Gianlorenzo Bernini. Roma Italia

En los siglos XVIII y XIX, Europa tomó conciencia de su historia artística, vista como una sucesión de obras maestras que habían adquirido el valor de joyas de la cultura y que eran expuestas en galerías para la edificación espiritual y moral del público. A medida que la sociedad Europea evolucionaba hacia la producción maximizada, la mecanización, el utilitarismo y el racionalismo, el arte europeo evolucionó hacia el Romanticismo, un complejo movimiento cultural con una clara tendencia a anteponer a la naturaleza frente a la sociedad y la máquina, a la emoción frente a la razón.

El caminante sobre el mar de nubes (1818)

Caspar David Friedrich

Los artistas tenían tendencia a considerarse a si mismos como necesariamente opuestos al mundo materialista moderno. Algunos evitaban representar temas modernos, refugiándose en lo medieval o primitivo; otros, en cambio, optaron por representar la vida moderna de las ciudades para ironizar sobre ellas. Surge la contraposición de los conceptos de mercado del arte y genialidad del artista que orillo a este a la producción de obras vendibles, a pesar de su oposición hacia el comercio. Así se desarrollo en concepto de vanguardia, en el cual el artista expresaba un compromiso con el radicalismo estético cuyo producto reflejado en obras de arte se alejaba del gusto establecido por el público, pero con el tiempo este paso a ser aceptado como un arte cuya belleza era reconocida mundialmente.

La rapidez con la que se produjo el cambio social y tecnológico influencio la producción de los artistas, la producción industrial de los tubos de pintura permitió por primera vez a los artistas trabajar al aire libre en lugar de verse obligado de trabajar en su taller; por otro lado la primera era de globalización- la subida del imperialismo y de las comunicaciones internacionales- trajo consigo influencias exóticas, desde los grabados japoneses hasta las máscaras africanas

Dos artistas trabajando en un taller en el Japón del siglo XIX rodeados de utensilios como rollos de papel, pinturas y pinceles. Detalle de una acuarela de Kawahara Keiga.

Entre los artistas que se vieron influenciados por ese exotismo tenemos a Paul Gauguin cuyas observaciones directas de los paisajes de las Islas de Pacífico fueron inmortalizadas en sus mejores obras. Al mismo tiempo la invención de la fotografía abrió un encendido debate sobre el sentido del arte figurativo, pero también se convirtió en una nueva fuente para los pintores. En su pintura Desnudo bajando una escalera, N° 2 (1912) Marcel Duchamp reconoció haberse dejado influenciar por la fotografía.

Desnudo bajando una escalera, N° 2 (1912)

Marcel Duchamp

Durante los primeros años del siglo XX el arte occidental se encontraba en una fase experimental que rompió todos los límites de cualquier manifestación artística conocida hasta entonces. El cubismo o los inicios de la abstracción no eran ni figurativos ni decorativos, pero dieron paso a nuevas formas de ver el mundo. Avances tecnológicos como el cine, el automovil, la luz electrica y la aviación, influyeron notablemente en el arte

Wasily Kandinsky pintando en su taller de Neuilly-sur-Siene, Francia (diciembre 1936). El pitor ruso era admirado por multitud de artistas jóvenes y recibía regularmente en su taller las visitas de Joan Miró, Alberto Magnelli, Jean Arp y Sophie Tauber.

El nuevo contexto político y cultural mundial posguerra tuvo un efecto inesperado de convertir el arte modernista en un apreciado símbolo de democracia liberal capitalista; así pues, tras la primera guerra mundial, la CIA se erigió como patrocinador de los artistas abstractos norteamericanos, dado que la supremacía de Estados Unidos en la economía mundial era evidente por lo que Nueva York se convirtió en la nueva capital internacional del mundo del arte.

A partir de 1945, el descontento de algunos artistas frente a una sociedad comercializada desembocó en rupturas más radicales con el pasado. Los artistas de performance, y más tarde los artistas conceptuales, buscaban crear obras que no fueran objetos. Andy Warhol protagonizó otro intento por demoler el "mito" del artista, presentando imágenes reproducidas mecánicamente como obras artísticas.

Veinte Marilyns (1962). Serigrafía

Andy Warhol

El aluvión de imágenes visuales que se produjo en la era de los medios de comunicación de masas desembocó en un cambio en la forma de ver las obras de arte: ahora se veían como una imagen cualquiera, como un tipo de imagen entre muchas. La industrial de los museos y galerías convirtieron a las obras de arte en productos burgueses para el ocio y el turismo. Las manifestaciones artísticas mas radicales, como la "instalación", se convirtieron en verdaderos reclamos de multitudes y muchos artistas se adaptaron con facilidad a la cultura mediática de la celebridad. Aunque el panorama que se presentaba resultaba poco propicio "la sociedad continuó", como afirmo con contundencia el crítico de arte inglés del siglo XIX Jonh Ruskin, "obteniendo el arte que merecía".

Reichtag envuelto, Belín (1971-1995)

Christo y Jeanne-Calude

Tela de polipropileno con superficie de aluminio y cuerda.

Referencias

Farthing, S. (2010), Arte toda la historia, España, Barcelona: Editorial Blume

Gombrich, E. (1997), La Historia del Arte, London: Phaidon Press Limited

Wikipedia

GLOSARIO